人民网巴黎6月8日电（记者何记者）艺术家李鑫近日收到法国巴黎罗丹博物馆赠送的精美画册。这本重量级的书囊括了博物馆的当代艺术藏品，并用相当长的篇幅进行了介绍。李鑫的“”系列作品在博物馆永久展出。
巴黎罗丹博物馆是一座见证法国现代雕塑巅峰的艺术博物馆。它因其古典与现代、艺术与自然的完美融合而被誉为“巴黎最美的美术馆”和“巴黎洛可可建筑的一颗明珠”。 。观众漫步在矗立着《思想者》等罗丹雕塑的花园中，在宫殿般的展厅中穿梭于不同时代大师的作品之间。不难领略高度包容的艺术交融的独特魅力。
李鑫出生于1973年，在法国生活了近二十年。他的作品现在也在吉美的法国国家亚洲艺术博物馆展出，并被纳入法国国家当代艺术收藏。除了法国艺术机构之外，李鑫还开展了不同领域的跨界合作。早在2014年，应爱马仕全球艺术总监- Dumay的邀请，李鑫与爱马仕首席调香师Jean- Elena一起前往中国园林汲取灵感。李鑫创作了一系列画作，还为香水“李先生的花园”画下了水墨“印记”。后来，他的作品被埃米尔·爱马仕收藏。
作为一位低调、专注的艺术家，李欣二十年前前往法国艺术之都巴黎，最初是出于对印象派色彩的向往。如今，他的大部分作品都以纯灰色呈现。在北京与巴黎漫长的文化之旅中，这位中法艺术家的创作历程经历了哪些变化，留下了什么样的足迹？借由法国印象派大师莫奈的曾孙、当代著名艺术评论家、策展人菲利普·皮格与李鑫的这次对话，我们对他的艺术历程进行了更为深入的探索。
李鑫与 相识已久，一直保持着密切的联系。在 看来，“李鑫的艺术创造了一种全新的绘画概念，从过去一直延续至今”。人民网很荣幸邀请到两位嘉宾参加本次对话。
如果把20世纪初前往法国、被称为“法国三剑客”的赵无极、林风眠、朱德群作为第一代赴法留学的中国艺术家来说，黄永福、陈箴等旗人属于第二代，所以某种程度上李新可以说是中国留法第三代艺术家的代表。
隐藏在罗丹博物馆的中国艺术家
李鑫与巴黎罗丹国立博物馆的合作始于2020年4月。早在20世纪初，罗丹博物馆的初衷之一就是为当时的年轻艺术家提供一个展示作品的场所。如今，已成为国家博物馆的罗丹博物馆继承并延续了最初的愿景，邀请来自非洲、欧洲和亚洲的三位当代艺术家创作以土、火、水为主题的作品，融合当代艺术精神合而为一这种无声润物的方式被嵌入到藏品中，重构了罗丹博物馆的时空美学氛围。
代表亚洲的李鑫创作了八幅以“水”为主题的椭圆形烟灰色画作，每幅画作均被安装在博物馆圆形展厅的顶部。这组作品被艺术家根据法语单词“波浪”（onde）命名为“波”，与18世纪法国洛可可绘画奠基人弗朗索瓦·勒穆瓦（François ）的古典油画形成了复杂而简单的关系。同一个空间。过去和现在的对比。
：我注意到您经常使用灰色调，充满水般的流动性。这种风格签名从何而来？
李鑫：在罗丹博物馆工作期间，我有一段独特的经历。当我走进我的作品所在的空间时，我感觉自己就像进入了一艘宇宙飞船。所有的墙壁都被洛可可风格的复杂木质装饰所包围。在天花板附近，它们被八幅看起来像舷窗的椭圆形画作打断。我立刻意识到，这个空间的灵性有利于思想的释放和释放。超过。
另外，展厅里罗丹的一件作品特别让我感动——《达奈德》。这是一个被诅咒的仙女必须向无底的瓮里注满水的故事。它还暗示着一系列无始无终、无目标无结果的行动，是永恒流动的象征。这种无用的状态让我想起了某些东方思想，这也体现在我的作品中。
我想把自己的作品放置在洛可可展厅奢华风格的对面——简单朴素，不受展示环境的束缚。在这次创作之初，我意外地采用了“去装饰”的概念。当观众进入展厅时，他们可能不会立即看到我的作品，而是在变换风景的同时发现作品的美。存在。
东西方“水”对话
：您最初为什么选择来法国？
李鑫：当我14、15岁的时候，我读过不同的印象派专辑。我对印象派色彩和光线的世界非常着迷，所以我告诉自己，有一天我一定要来法国看看原作。今天，我与法国有着紧密而特殊的联系。但吊诡的是，虽然我一开始是被法国印象派的色彩所吸引，但几年后，我却越来越关心“留白”的问题，离色彩越来越远，以至于我的作品总是呈现出一种介于有色与无色之间的灰色，在宣纸上呈现出丰富的波动。
：我对你作品的感受让我想起了大画家德拉克洛瓦在他的《日记》中曾经说过的话：“主题是你自己，你在自然面前的感受和思考，这是一种内心的看法，而不是你的周围环境。 ”当我面对你的作品时，这句话以一种独特的音色在我耳边回响。它们促使我用不可测量的尺度来测量无穷大。这也是艺术家向往和感知的世界。无论采用何种表达方式，流动的概念和水的主题都是您创作的美学组成部分。对液体元素的迷恋从何而来？
李鑫：水是我作品的主要材料。一切事物都始于水（液体）。东西方文明对应着完全不同的绘画材料，也体现了两种不同文化背景的思维方式。对我来说，连接这两种不同艺术的东西是水。
：其实正是因为有水，绘画才能得以呈现。墨落在纸上，赋予作品形象，让它发生，让它发生、交叉、延伸。为此，艺术家说：让纸吸收水分，并精心挑选具有透水性的宣纸。这样，李鑫的作品就源于潜移默化的二元性。一方面，香墨粉原本取自大自然，由艺术家自行研制而成。通过他的创作活动，它逐渐回归到其作为自然意象象征的本性。另一方面，艺术家以自己的身体作为感知的媒介，所得到的作品绝非普通字面意义上的单色绘画，而更像是一个在同一个色调下变奏出的整个世界，或者是薄薄的，或者是薄薄的。像翅膀一样或像翅膀一样密集。无风，多变。
李鑫：中国古代绘画多画在具有吸水性的宣纸或丝绸上，讲究“力透纸背”。这也对应了东方农耕文明下的一种思维方式——水向下渗透，滋养土地，土地又反哺万物。西方油画则不同，更像是诺亚方舟。油画载体必须是不透水的。我经常把我的油画创作过程形容为在画布上一遍又一遍地做“防水工作”。经过长时间的干燥后，我用大量用松节油稀释的颜料漫无目的地清洗它，使其垂直流动，并用画笔引导它的流动，这是我创作过程中最接近绘画的。创造的结果是不确定和未知的。整个过程几乎是在虚无中发现虚无，直到最后颜料停止扩散和流动。色彩层次之间，透明与浑浊、停顿与流动层层交织。互相对比。我的一部作品通常至少需要三个季节才能完成。
：灰色是您最喜欢的颜色，您也懂得如何充分诠释灰色的微妙之处。这个灰色从哪里来？
李鑫：我用的墨水是用植物烧焦的灰制成的。正是烟雾沉积物让我能够获得各种微妙的灰色差异，并将它们倒在宣纸或陶瓷板上来创造它们。各种风景。在宣纸上，墨迹暗示着一个完整的原始世界，在陶瓷上，我让烟的痕迹通过另一种燃烧的方式再现。在我看来，用某些材料的原始状态来表达这些物质的状态是一种有效的表达方式，也是我对不人工的自然状态的追求。
：我似乎在你的作品中看到了极简主义艺术的影子。从您的创作方法和风格特点来看，您认为自己是一个极简主义画家吗？
李鑫：与极简主义相比，我的作品状态更加零星、不可预测。画作的轮廓虽然保留，但创作核心更接近“虚无”，而不是“极简到几乎没有”。这符合20世纪70年代和1980年代极简主义的最大区别。极简主义作品的表现形式更加绝对化和概念化，对视觉呈现的结果有一定的预测，而我画中的“虚无”更像是一个以太空间。看似空旷，实则是一个充满品质的空间。
另外，东方绘画讲究生动神韵，很少用色彩。通常只使用一种墨水。通过在墨水中加入适量的水，可以产生不同深浅的颜色。所谓“五色墨”，就是使用几种墨。不同程度的灰色给观者带来无限色彩的联想，这本身其实也可以算是“极简主义”。
与法国艺术机构合作
多年来对媒体的低调态度并没有掩盖李鑫的光芒。其作品被法国多家知名艺术机构收藏。除罗丹博物馆外，13米长的水墨作品《2015.1.21，沉申未过》也自2018年起在法国巴黎吉美国家亚洲艺术博物馆展出，并被列入收藏。能够进入法国国家当代艺术系统收藏也表明艺术家的创作再次得到欧洲国家艺术机构的认可。
2017年，法国里昂美术馆邀请李欣举办个展《泻湖》，全面呈现艺术家近五年来在水墨、油画、陶瓷等领域的创作成果。其中的陶瓷作品源自艺术家与法国国宝陶瓷制造商——赛佛尔瓷厂的合作。塞夫尔瓷器是欧洲瓷器工艺的终极体现。自18世纪成立以来，一直得到法国王室和国家的支持和青睐。此次合作，再次推动了李鑫在不同媒介上对“水”主题的探索。
：2017年，您在里昂美术馆举办了个展“”。同时，您的作品也在法国里昂大学的展览中展出。您想通过这些作品传达什么样的创作理念？
李鑫：我在里昂美术馆举办个展是2017年，距我去法国正好十五年，也是我第一次在博物馆举办个展。我将展览命名为“泻湖”，并将观看体验设想为在花园中散步，以便观众可以在完全宁静的环境中漫步。所有展出的作品——油画、纸本水墨和塞夫尔陶瓷——都以水为主题。
里昂美术博物馆收藏了许多重要的古典主义和印象派绘画作品。可以说是一座光与色的宫殿。但我在里昂美术馆的个展却以灰色为主色调，形成了形象与现实的反差。当参观者进入我的作品展厅时，他们会发现自己置身于一个与世隔绝的灰色花园中。
：我认为作为一名画家，您对“火的艺术”（陶瓷）表现出了浓厚的兴趣，并将这些瓷器涂成了同样的灰色。这本身就是一个了不起的想法。这个尝试从哪里来？
李鑫：我来自一个有着千年制瓷历史的国家，中国在制瓷方面有无数的瑰宝。如果说灰色陶瓷鲜为人知，那是因为中国宫廷瓷器历来偏爱色彩，而灰色是文人墨客非常喜爱的颜色，在中国传统山水画中历来受到青睐。灰色作为一种色调，在有色与无色之间产生强烈的振动，有助于开启想象力，舒缓精神，引导观者进入冥想状态。此外，在中国文化中，灰色还统一了阴阳运动。
作为一位长期游走于中法文化之间的中国艺术家，从早期追求印象派色彩到如今沉浸在无尽细腻的灰色风格中，对于艺术家本人来说，这也是一次探索的旅程。自我追求、沉淀、重生。 ，直至最终形成个人的绘画理念——“化古为今”。在李鑫看来，中法二十年的跨文化之旅，融合了东西方，取长补短，用纯粹的音符奏出了各种变化的现象。这让他想起了宋末元初著名画家杨公元的诗句：“一色天下水墨天，纯净自然。”
我们不知道这位艺术家二十多岁时在法国留学时经历了怎样的自我沉淀和追求，才达到了今天刚柔并济的境界。只有从他的画作中，从一切朴素而流畅的挥洒中，我们才能看到一些思考的痕迹和创作者的姿态。